那些画面像是被点亮了一样，灯光一闪一闪地在脑海里回放。我喜欢的是那种不依赖前置剧本、靠身体与音乐对话的感觉。那时我还只是一个喜欢模仿的孩子，跟着MV里的动作摆动，身体的每一个细胞都在学着传达情绪。真正打动我的，是街舞里的一种自由：你可以在地板上翻滚、在墙角踩点、用手臂划出一个个节拍，像在讲述自己的故事。
于是，我把课余时间都放在练习室，哪怕只是基本动作的重复。家里人最初担心的是时间管理和成绩，毕竟学习更重要，但我坚持每天抽出两小时去训练。那段日子很苦，但每一天的进步都像是给自己做了一个小小奖赏。采访者：听起来像是一种自我约束与自我奖励的循环。
你在那段日子里遇到的最大挑战是什么？杨芳：最大的挑战不是技术瓶颈，而是自我怀疑。你在练习中会发现自己的姿势不优美、力量不足、步伐不协调。很多时候，外界的评价也会影响情绪，尤其是同龄人对你“追梦”的看法。你会问自己：这样真的行吗？我是不是在浪费时间？但每一次在镜子前看到自己克服一个小难点，心里就像被点亮了一盏灯。
我没有天生的优势，但我有持续的耐心和对舞蹈语言的渴望。逐步地，我开始理解：街舞不是只炫技，更多是讲故事、传递情感的艺术。随着技术的稳步提升，我参加了学校的文艺汇演，第一次在舞台上被观众的掌声掀起了情绪的波动，那一刻，我真正意识到：我想把这份热爱持续下去，想把它变成一种可以维护自己生活的职业。
采访者：你提到“舞蹈语言”，能否具体说说你在创作中如何把情感转化为动作？杨芳：当然。对我来说，情感是一条潜在的曲线，会自然地驱动动作的起伏。比如愤怒、坚持、脆弱、幸福这些情绪，会在身体的线条、重心、节奏上找到表达点。最初，我会先用心情记录，把当天的情绪写成简短的词组，然后试着把它们转化成动作的动作序列。
接着，再用音乐去检验：音乐的节拍、呼吸点、落点，能不能和我的情绪同步。如果某个段落的情感强度不足，我就会在训练中反复调整重心位置、手臂弧度、脚尖的触地感，直到观众在第一秒就能感受到我的情绪。这种过程既是技术训练，也是情感训练。很多人以为街舞只是力量的释放，但真正打动人心的，是那种在节拍之间找到呼吸，在动作之间留出停顿，让情绪有流动空间的能力。
采访者：你刚刚谈到了第一场舞台的感受。那场演出对你之后的路有怎样的影响？杨芳：那场舞台对我来说，是一个分水岭。之前的练习大多是地下室里的孤独和汗水，而那次正式登台让我意识到：舞台不是一个人的独角戏，而是人与人之间的一次性传递。观众的每一次呼吸、每一次掌声，都是对我努力的肯定。
于是我把练习的方向逐渐从“怎么更强”转向“怎么更真实地表达自己”，这为我未来的成长奠定了基调。采访者：这段经历让你对“职业化”有了新的认知吗？杨芳：有的。职业化不是把梦想变现的工具，而是用更可控、可持续的方式去实现梦想。那段时间我开始接触团队排练、舞台设计、服装与形象的基本知识。
我发现，舞蹈不只是舞步，还包括舞美、节奏、情感节拍与舞台调性等多方面的协同。学会与编导、音乐、灯光等团队成员沟通，是走向成熟的必经之路。我的目标也从“我能跳好这一段”转变为“我能把整场表演讲得有情绪、有结构、有记忆点”。这也让我明白，街舞可以成为一种职业生态，而非一时的热爱。
正是在这样的认知里，我开始把个人练习时间向系统训练、课程讲解和工作室经营逐步扩展。简单来说，从“单纯跳舞”到“讲舞、教舞、育人”，是我职业化路径的重要一步。现在回看，那些初步的困难其实都是必经的成长点，它们像磨刀石，让我更清晰地认识到自己真正想要的是什么。
我的成长里，最宝贵的部分其实是遇到的一群人——来自不同城市、不同背景的舞者、编舞、观众。他们的眼神、反馈、甚至竞争，都是我前进的方向标。很多时候，竞争促使我跳出舒适区，去尝试从未涉足的风格，比如融合电子音乐的街舞、带有即兴元素的战舞，或者是更强调律动和呼吸的舞蹈。
每一次新的尝试，都是在给自己重新定位的过程。我学会了用不同的语境去演绎同一情感，慢慢建立起属于自己的舞蹈语言体系。采访者：在舞蹈生涯中，你遇到过低谷吗？你是如何走出低谷的？杨芳：当然有。低谷的原因各不相同，可能是伤病、团队分歧、或是创作瓶颈。
最重要的，是要承认身心的疲惫，给自己一个喘息的机会。我的方式通常是三件事：第一，回到基础，把最核心的动作再打磨一次，像回到雷竞技app起点但目的是不再停留在原地；第二，寻找新的灵感源泉。可能是一次旅行、一部电影、一场画展，或者与不同领域的艺术家合作的短期项目。
这些新鲜的刺激会让大脑重新连接，给创作注入新的血液；第三，保持与同道者的互动。和志同道合的人讨论、观看他们的作品、互相批评，都是成长的催化剂。其实真正的力量来自坚持。坚持不是盲目的重复，而是把自己放在一个持续可控的成长轨道上，让每一个阶段的努力都累积成下一步更稳健的起跳点。
慢慢地，低谷会变成路线图，让你清楚地知道下一站该去哪里，怎么走。采访者：你现在在舞蹈行业中扮演的角色越来越多元。你是如何平衡创作、教学、和商业之间的关系的？杨芳：平衡是一门艺术，也是一条不断调整的路线。创作让我保持新鲜感和探索精神，教学让我把经验固化为可复制的知识，商业则给了我稳定的资源，让创作和教学得以持续。
关键是要明确边界：哪些是必须親自参与的核心内容，哪些可以通过团队来执行。比如，核心创作、舞台设计理念、重要的教学理念，是我愿意亲自把控的部分；而重复性、常规性、规模化的工作，则可以通过组建稳定的团队去实现。这样可以让自己有更多的时间去思考、去创新，而不是被琐碎的事务绑死。
另一个重要点是保持初心。无论外界如何变化，舞蹈对我来说始终是表达情感的语言，是连接人心的桥梁。只要这点不变，我就能在不断的市场化运作中，保留属于自己的一份纯粹。采访者：你对刚起步的年轻舞者有哪些实用的建议？杨芳：我给的建议其实很简单，但落地很难。
第一，打牢基础，不追求速成。基础越扎实，后续的风格扩展才越稳健。第二，像创作一样对待练习。每天给自己一个小目标，哪怕是一次新的组合、一个更干净的落点，也要记录下来，定期回看，找不足。第三，建立一个自我反馈机制。无论是自评还是请教朋友、导师，甚至在舞台后和观众聊天，收集他们的真实反馈。
第四，学会休息与恢复。音乐和动作的强度会带来身体上的压力，合理的休息、拉伸、康复训练同样重要。保持好奇心。街舞的世界很大，风格多样，跨界合作，会让你发现自己更广阔的可能性。若你愿意把这些变成日常的习惯，成长会像水流一样自然地推进，最终形成你独特的声音。
对我而言，这段路是漫长而精彩的旅程，每一步都在提醒我：热爱可以成为职业，但必须被认真对待、被持续投资。采访者：未来有什么新的计划和愿景？杨芳：未来我想把舞蹈带到更多的场景里去，无论是校园、社区、企业活动，还是国际比赛。我也在筹备个人的舞蹈工作室，目标是培养更多有热情的年轻人，帮助他们建立自信、掌握技巧、学习舞台与创作。
除了提升个人技艺，我还希望通过教育项目让更多人了解街舞的文化背景、创作过程，以及舞蹈与社会之间的联系。舞蹈不仅是一种娱乐，更是一种语言，一种能够促成理解与连接的语言。我期待用我的经验去点亮更多追梦者的路，也愿意把这份热情传递给下一代。若能在未来几年实现这些目标，我会把这份旅程写成更完整的章节，继续与观众、与年轻人共同成长。
采访者：感谢你分享的故事。你愿意用一句话总结自己对街舞生涯的理解吗？杨芳：街舞不是终点，而是一场持续的对话。它教会我用身体讲述情感，用坚持抚平焦虑，用开放的心去迎接每一次新风格。最重要的是，在这场对话中，我从未独自发声——因为每一次练习、每一次舞台、每一次教课，背后都有同行者的注视与鼓励。
只要心中还有热情，这段路就会继续延展，成为我一生的语言。
